本文目录一览：
- 1、古希腊的故事 写论文
- 2、急需一篇1500字的论文，题目是中西方古代建筑的审美比较，大家帮帮忙啊，谢谢了
- 3、有热爱才精彩为题的议论文
- 4、求一篇关于卢浮宫或其他著名建筑的建筑方面的赏析文章，要2000多字的，急用，谢了
- 5、关于世界民俗文化的论文
- 6、求西方美术史论文一篇，写二十世纪以后的美术流派，作者或作品赏析都可，3000字
古希腊的故事 写论文
古罗马神话是古罗马帝国在接受基督教以前信仰的宗教古罗马人将拉丁民族的古代神话和古希腊神话结合起来大量吸收希腊诸神改造成罗马的神，所以古罗马神话和古希腊神话有很多相似之处但古罗马神话对欧洲文化影响较深天上诸星座原来都是希腊人以神话人物和诸神命名的但目前学术界使用的都是罗马名。
== 雅努斯==Ianus 门神，具有前后两个面孔或四方四个面孔，象征开始。罗马士兵出征时，都要从象征雅努斯的拱门下穿过，发展成四方双拱门，后来欧洲各国的凯旋门形式都是由此而来。雅努斯是罗马本土最原始的神，拉丁语“一月”Ianuarius这个词也是起源于他，演变成西方各国的语言
朱庇特 Iuppiter 神王，相对应于希腊神话的 宙斯 Zeus， 木星 的拉丁名是起源于他。 拉丁语 “星期四”这个词也来源于他，后来影响了许多西方语言。
朱诺 Iuno 神后，相对应于希腊神话的 赫拉 Hera，她的名称作Moneta，掌管财务， 英语 中“钱”这个词来源于她的名字。
墨邱利 Mercurius 神的使者，相对应于希腊神话的赫尔墨斯Hermes， 裘比特 和 玛亚 的儿子，是医药、旅行者、商人和小偷的保护神，西方药店经常用他的缠绕两条蛇的手杖作为标志。
维纳斯 Venus 美神、爱神。相对应于希腊神话的 阿佛洛狄德 Aphrodite， 拉丁语 的 金星 和“星期五”这个词都来源于她。 法国 卢浮宫 保藏的雕像虽然是从希腊出土的，但也称为 米洛的维纳斯 。
玛尔斯 Mars 战神，相对应于希腊神话的 阿瑞斯 Ares，维纳斯的情人， 拉丁语 的 火星 、“三月”和“星期二”这些词都来源于他。
萨坦 Saturn 裘比特的父亲，相对应于希腊神话的科罗努斯Kronus， 拉丁语 的 土星 和“星期六”这些词都来源于他。
玛亚 Maia 墨邱利 的母亲，花神， 拉丁语 的“五月”这个词来源于她。
狄安娜 Diana 月亮女神和狩猎神，相对应于希腊神话的 阿尔忒弥斯 Artemis， 阿波罗 的妹妹。
阿波罗 ( Apollo )是 希腊神话 中的 太阳神 ，是 音乐家 、 诗人 和射手的保护神。他是 宙斯 的儿子， 阿尔忒弥斯 的哥哥，希腊和 罗马 名字相同。
他的典型形象是右手拿七弦琴，左手拿象征 太阳 的金球
米诺娃 Minerva 智慧女神，艺术家和手工艺人的保护神，相对应于希腊神话的 雅典娜 Athena。
赛尔斯 Ceres 大地和丰收女神，相对应于希腊神话的 德米特尔 Demeter， 拉丁语 中的“谷物”一词来源于她。
乌尔肯 Vulcan 火神，维纳斯的丈夫，跛足，相传是被他父亲 裘比特 打的。相对应于希腊神话的 赫斐斯托斯 Hephaestus， 拉丁语 中的“火山”一词来源于他。相传火山是他为众神打造武器的铁匠炉。
尼普东 Neptune 海王神，相对应于希腊神话的 波赛东 Posidon，裘比特的弟弟， 海王星 的拉丁名是起源于他。
普鲁通 Pluto 冥神，相对应于希腊神话的 哈底斯 Hades，裘比特的弟弟， 冥王星 的拉丁名是起源于他。
邱比特 Cupid 小爱神，维纳斯的儿子，相对应于希腊神话的 爱罗斯 Eros。是一个手拿弓箭的调皮的小男孩，他的金箭射入人心会产生爱情，他的铅箭射入人心会产生憎恶，他经常无目的的瞎射。
急需一篇1500字的论文，题目是中西方古代建筑的审美比较，大家帮帮忙啊，谢谢了
(一). 建筑材料的不同,体现了中西方物质文化、哲学理念的差异。
从建筑材料来看，在现代建筑未产生之前，世界上所有已经发展成熟的建筑体系中，包括属于东方建筑的印度建筑在内，基本上，都是以砖石为主要建筑材料来营造的，属于砖石结构系统。诸如埃及的金字塔，古希腊的神庙，古罗马的斗兽场、输水道，中世纪欧洲的教堂……无一不是用石材筑成，无一不是这部“石头史书”中留下的历史见证。唯有我国古典建筑(包括邻近的日本、朝鲜等地区)是以木材来做房屋的主要构架，属于木结构系统，因而被誉为“木头的史书”。中西方的建筑对于材料的选择，除由于自然因素不同外，更重要的是由不同文化，不同理念导致的结果，是不同心性在建筑中的普遍反映。西方以狩猎方式为主的原始经济，造就出重物的原始心态。从西方人对石材的肯定，可以看出西方人求智求真的理性精神，在人与自然的关系中强调人是世界的主人，人的力量和智慧能够战胜一切。中国以原始农业为主的经济方式，造就了原始文明中重选择，重采集，重储存的活动方式。由此衍生发展起来的中国传统哲学，所宣扬的是“天人合一”的宇宙观。“天人合一”是对人与自然关系的揭示，自然与人乃息息相通的整体，人是自然界的一个环节，中国人将木材选作基本建材，正是重视了它与生命之亲和关系，重视了它的性状与人生关系的结果。
(二).建筑空间的布局不同，反映了中西方制度文化、性格特征的区别。
从建筑的空间布局来看，中国建筑是封闭的群体的空间格局，在地面平面铺开。中国无论何种建筑，从住宅到宫殿，几乎都是一个格局，类似于“四合院”模式。中国建筑的美又是一种“集体”的美。例如；北京明清宫殿，明十三陵，曲阜孔庙即是以重重院落相套而构成规模巨大的建筑群，各种建筑前后左右有主有宾合乎规律地排列着，体现了中国古代社会结构形态的内向性特征，宗法思想和礼教制度。与中国相反，西方建筑是开放的单体的空间格局向高空发展。以相近年代建造、扩建的北京故宫和巴黎卢浮宫比较，前者是由数以千计的单个房屋组成的波澜壮阔，气势恢宏的建筑群体，围绕轴线形成一系列院落，平面铺展异常庞大；后者则采用“体量”的向上扩展和垂直叠加，由巨大而富于变化的形体，形成巍然耸立、雄伟壮观的整体。而且，从古希腊古罗马的城邦开始，就广泛地使用柱廊、门窗，增加信息交流及透明度，以外部空间来包围建筑，以突出建筑的实体形象。这与西方人很早就经常通过海上往来互相交往及社会内部实行奴隶民主制有关。古希腊的外向型性格和科学民主的精神不仅影响了古罗马，还影响了整个西方世界。同时，如果说中国建筑占据着地面，那么西方建筑就占领着空间，譬如罗马可里西姆大斗兽场高为48米，“万神殿”高43.5米，中世纪的圣索菲亚大教堂，其中央大厅穹窿顶离地达60米。文艺复兴建筑中最辉煌的作品圣彼得大教堂，高137米。这庄严雄的建筑物固然反映西方人崇拜神灵的狂热，更多是利用了先进的科学技术成就给人一种奋发向上的精神力量。
(三) 建筑的发展不同,表现了中西方对革新态度的差别
从建筑发展过程看，中国建筑是保守的。据文献资料可知，中国的建筑形式和所用的材料3000年不变。与中国不同，西方建筑经常求变，其结构和材料演变得比较急剧。从希腊雅典卫城上出现的第一批神庙起到今天已经2500余年了，期间整个欧洲古代的建筑形态不断演进、跃变着。从古希腊古典柱式到古罗马的拱券、穹窿顶技术，从哥特建筑的尖券，十字拱和飞扶壁技术到欧洲文艺复兴时代的罗马圣彼得大教堂，无论从形象、比例、装饰和空间布局，都发生了很大变化。这反映了西方人，敢于独辟蹊径，勇于创新的精神。
(四).建筑价值的不同，显现中西方审美观念的异殊。
从建筑的价值来看，中国的建筑着眼于信息，西方的建筑着眼于实物体。中国古代建筑的结构，不靠计算，不靠定量分析，不用形式逻辑的方法构思，而是靠师傅带徒弟方式，言传手教，靠实践，靠经验。我们对于古代建筑，尤其是唐以前的建筑的认识，多从文献资料上得到信息。历代帝王陵寝和民居皆按风水之说和五行相生相克原理经营。为求得与天地和自然万物和谐，以趋吉避凶，招财纳福，在借山水之势力，聚落建筑座靠大山，面对平川。这种“仰观天文，俯察地理”是中国特有的一种文化。古代希腊的毕达哥拉斯、欧几里得首创的几何美学和数学逻辑，亚里士多德奠基的“整一”和“秩序”的理性主义“和谐美论”，对整个西方文明的结构带来了决定性的影响，一切科学和艺术，它们的道路都被这种理念确定了命运。翻开西方的建筑史，不难发现，西方建筑美的构形意识其实就是几何形体；雅典帕提隆神庙的外形“控制线”为两个正方形；从罗马万神庙的穹顶到地面，恰好可以嵌进一个直径43.3米的圆球；米兰大教堂的“控制线”是一个正三角形，巴黎凯旋门的立面是一个正方形，其中央拱门和“控制线”则是两个整圆。甚至于象园林绿化、花草树木之类的自然物，经过人工剪修，刻意雕饰，也都呈献出整齐有序的几何图案，它以其超脱自然，驾驭自然的“人工美”，同中国园林那种“虽由人作，宛自天开”的自然情调，形成鲜明的对照。早在2000年前古罗马奥古斯都时期的建筑理论家维特鲁威就在他的著名《建筑十书》中提出了“适用、坚固、美观”这一经典性的建筑三要素观点，被后人奉为圭臬，世代相传。17世纪初建筑师亨利·伍登提出优秀建筑物必须具备三个条件；“坚固、实用和欢愉。”西方人把“坚固”和“实用”作为评价优秀建筑物的第一和第二原则。因而当中国古老的建筑物随着时间的流逝而被毁坏或“烟消云散”的时候，西方古希腊、古罗马、古埃及的建筑依然完好地保存着，用实物体形象演绎着自己的文化。通过对中西方建筑的比较可见出中西方在观念文化上，制度文化，物质文化上的不同。
中国建筑中具有审美价值的特征形式和风格。自先秦至19世纪中叶以前基本上是一个封闭的独立的体系，2000多年间风格变化不大，通称为中国古代建筑艺术。
19世纪中叶以后，随着社会性质的改变，外国建筑，特别是西方建筑的大量输入，中国建筑与世界建筑有了较多的接触和交流，建筑风格发生了急剧变化，通称为中国近现代建筑艺术。
中国古代建筑艺术
中国古代建筑艺术在封建社会中发展成熟，它以汉族木结构建筑为主体,也包括各少数民族的优秀建筑,是世界上延续历史最长、分布地域最广、风格非常显明的一个独特的艺术体系。中国古代建筑对于日本、朝鲜和越南的古代建筑有直接影响，17世纪以后，也对欧洲产生过影响。
艺术特征
和欧洲古代建筑艺术比较，中国古代建筑艺术有3个最基本的特征:
①审美价值与政治伦理价值的统一。艺术价值高的建筑，也同时发挥着维系、加强社会政治伦理制度和思想意识的作用。
②植根于深厚的传统文化，表现出鲜明的人文主义精神。建筑艺术的一切构成因素，如尺度、节奏、构图、形式、性格、风格等，都是从当代人的审美心理出发，为人所能欣赏和理解，没有大起大落、怪异诡谲、不可理解的形象。
③总体性、综合性很强。古代优秀的建筑作品，几乎都是动员了当时可能构成建筑艺术的一切因素和手法综合而成的一个整体形象，从总体环境到单座房屋，从外部序列到内部空间，从色彩装饰到附属艺术，每一个部分都不是可有可无的，抽掉了其中一项，也就损害了整体效果。
这些基本特征具体表现为：
重视环境整体经营
从春秋战国开始，中国就有了建筑环境整体经营的观念。《周礼》中关于野、都、鄙、乡、闾、里、邑、丘、甸等的规划制度，虽然未必全都成为事实，但至少说明当时已有了系统规划的大区域规划构思。《管子·乘马》主张，“凡立国都，非于大山之下，必于广川之上”，说明城市选址必须考虑环境关系。中国的堪舆学说起源很早，除去迷信的外衣，绝大多数是讲求环境与建筑的关系。古代城市都注重将城市本体与周围环境统一经营。秦咸阳北包北坂，中贯渭水，南抵南山，最盛时东西达到二三百里，是一个超级尺度的城市环境。长安（今陕西西安）、洛阳（北魏）、建康（今江苏南京）、北京（明清）等著名都城，其经营范围也都远远超过城墙以内；即使一般的府、州、县城，也将郊区包容在城市的整体环境中统一布局。重要的风景名胜，如五岳五镇、佛道名山、邑郊园林等，也都把
环境经营放在首位；帝王陵区，更是着重风水地理，这些地方的建筑大多是靠环境来显示其艺术的魅力
有热爱才精彩为题的议论文
生活因爱而精彩在平凡的生活中，在广袤的大地上，到处演绎着值得人大声喝彩的故事，如爱！生命因爱而精彩。在生活中，我们时常会受到父母的关爱，朋友的友爱，别人对自己的敬爱……如果一个人在这个充满爱的世界里，得到别人的爱，他会多么的幸福。相反，如果一个人来到世界，不曾得到别人的爱，那么这个人就白活了一生。爱无处不在，无所不有，爱充满人间。也许，你因犯了错误而受到父母的责怪；也许，你因做了危险的事而遭到老师训斥……当你受到责怪、训斥时，你可曾想到父母和老师以及其他人对自己的爱，对自己生命的担忧。打是亲，骂是爱，其实这打这骂都是别人对自己的爱，对自己无微不至的关怀，对自己大公无私的爱。我们应该感谢他们，不应因受责备而抱怨，怨恨他们。爱超越空间，超越界限。爱是没有国界的。人非草木，就能无情。况且草木也是有情的。当大树的叶子被残忍的刮掉时，大树会发出一阵阵地的哭诉；当大树的根被伐木人无情地砍掉的时候，大树会因为爱它们，不忍看到他们被活活地割舍掉而枯萎……由此可见，爱是无界限的。花草树木都有情有义，我们就更别说，更应该好好地用心关爱他人。爱因恨而丰富多彩。父母对我们充满希望，然而却恨铁不成钢；老师教育我们，希望我们长大后成为栋梁之材，而我们呢？做了些什么？不听话，对老师还比较恼恨。其实他们的严、恨中无不充满着对自己的爱，希望我们长大以后记得，使我们终身受受益。爱是生活的一部分。没有爱哪里会有今天如此和谐的社会，如此和平的世界呢？爱能包容一切。爱就像一个火炉，能融化我们之间的坚冰，使我们共同友好地创造美好的世界。爱能使一个罪恶滔天的人改过自新，重新做人，我们同样可以用爱去拥抱他，让创见懂得爱能化解仇恨。生命因爱而精彩，让我们为爱而喝彩！生活因读书而精彩读书真好。因为读书是一种欣赏，是一种放松，是一种愉悦。书——给了我甜蜜的收获。幼儿时期的我，是伴着安徒生、格林童话进入甜蜜梦乡的。每天都缠着妈妈讲故事，听童话成了我的必修课。我曾为卖火柴的小女孩流过同情的眼泪；也在梦中把她请到家中，为她准备了丰盛的晚餐，给她穿上暖和的羽绒衣；曾被《白雪公主》中那阴险狠毒的王后气得咬牙切齿，恨她毒蛇般的心肠，也被七个小矮人的滑稽逗得哈哈大笑，更被白雪公主的美丽善良感动得热泪盈眶……后来，妈妈告诉我，你要好好识字，识字多了，你就可以自己阅读了。那时，我多么希望尽快认识那一个个方块字，能捧起自己喜欢的书尽情地阅读呀！渐渐的，我长大了，上学了，随着识字量的增多，一本本书令我百看不厌，爱不释手。每到节假日，我便成了书店、图书馆的常客。只要是我喜欢的书，不管多贵，妈妈都慷慨解囊，毫不吝啬。我们家的书柜里摆满了书：《作文大全》、《十万个为什么》、《中国少年儿童百科全书》、《上下五千年》、《三国演义》……应有尽有。我常常沉浸在书的海洋中，体会马致远“断肠人在天涯”的凄凉，理解辛弃疾“可怜白发生”的无奈，领悟陶渊明“种豆南山下”的淡泊，寻找文天祥“人生自古谁无死”的豪情；被穷人桑娜的爱心所感动过，对老葛朗台的虚伪自私愤恨过，为爱斯梅哈尔达的命运叹息过，为简·爱的最终幸福欢欣过。读书让我明白了真伪虚实、善恶美丑、悲欢离合。读一本好书，似同智者谈心、交流思想，教你辨别是非，教你弘扬正气。读一本好书，如品一杯香茶，余香缭绕，沁人心脾。随着年龄的增长，知识的增多，读书成了我最大的爱好。每天晚上，不管多晚，我都要看上一小时书，枕着书，闻着书香，才能安然入睡。读书，让我结识了很多朋友：保尔·柯察金、鲁滨逊、海伦·凯勒……因为认识了他们，我总是觉得自己太不足，没有他们的博大爱心，没有他们的顽强意志。从而使我更加清楚地认识了自己，努力完善自己。书，带我游览过祖国的高山大川，名胜古迹；领略过黄山云海的莫测，泰山日出的壮观，长江三峡的雄伟；了解祖国上下五千年悠久的灿烂文化；书，带我周游世界，登上了高耸入云的埃菲尔铁塔，参观了巴黎的卢浮宫博物馆，欣赏了被奉为国宝的“断臂维纳斯雕像”，游览了尼罗河畔的埃及胡夫金字塔；书，把我带到过一望无垠的草原，广袤浩瀚的沙漠，几亿年前的侏罗纪时代，几十年后憧憬的未来；是书，让我去经历惊心动魄的古代战争，拜访叱咤风云的伟大人物，打开丰富多彩的社会画卷，进入奇异瑰丽的想象世界；还是书，使我开阔了眼界，了解了世界风云，懂得了饱经风雨才能见彩虹，只要勇敢面对挫折，成功就在眼前……总之，读书真好，读书是娱乐，是享受，是休闲，又是收获。读书远比得到黄金更快乐。我爱读书，一读起书来很容易进入忘我的状态。所以，书是我的好伙伴，书是我的良师益友，书是我人生的航标。读书，是我无怨无悔的追求，读好书，将伴我一生。生活因挫折而精彩生活因拼搏而精彩生活因青春而精彩生活因笑容而精彩.不同的人不同的看法,比如数学家的生活因数学而精彩,爱学之人生活因读书而精彩,生活因学会感恩而精彩!还有很多的
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位于巴黎市中心的赛纳河北岸（右岸），是巴黎的心脏,始建于1204年，历经700多年扩建重修达到今天的规模。占地约198公顷，长680米，分为新老两部分，老的建于路易十四时期，新的建于拿破仑时代。宫前的金字塔形玻璃入口，是华人建筑大师贝聿铭设计的。。它的整体建筑呈“U”形，占地面积为24公顷，建筑物占地面积为4.8公顷，全长680米。是世界上最著名、最大的艺术宝库之一，是举世瞩目，艺术殿堂和万宝之宫。同时，卢浮宫也是法国历史上最悠久的王宫。
王宫最初始建于12世纪初，从15-18世纪历经4次改建和扩建。中院的东立面是古典主义风格，最为人们推崇。法国总统密特朗请美国华裔建筑师贝聿铭设计金字塔形透明屋顶。藏品中有被誉为世界三宝的《维纳斯》雕像，《蒙娜丽莎》油画和《胜利女神》石雕,像更有大量希腊、罗马、埃及及东方的古董，还有法国、意大利的远古遗物。陈列面积5.5万平方米，藏品2.5万件。
曲折历史
卢浮宫有着非常曲折复杂的历史，而这又是和巴黎以至法国的历史错综地交织在一起的。人们到这里当然是为了亲眼看到举世闻名的艺术珍品，同时也是想看卢浮宫这座建筑本身，因为它既是一件伟大的艺术杰作，也是法国近千年来历史的见证。这里曾经居住过50位法国国王和王后，还有许多著名艺术家在这里生活，他们有的在这里寿终正寝，有的被谋杀，死于非命，血溅卢浮宫。
卢浮宫始建于1190年，当时只是菲利普·奥古斯特二世皇宫的城堡。在十字军东征时期，为了保卫北岸的巴黎地区，菲利普二世于1200年在这里修建了一座通向塞纳河的城堡，主要用于存放王室的档案和珍宝，同时也存放他的狗和战俘，当时就称为卢浮宫。查理五世时期，卢浮宫被作为皇宫，因而使它成为完全不同的一座建筑物了。在以后的350年中，随着王室贵族们越来越高的寻欢作乐的要求，他们不断增建了华丽的楼塔和别致的房间。然而在其后的整整150年间，卢浮宫却并无国王居住。 16世纪中叶，弗朗西斯一世继承王位后，便把这座宫殿拆毁了。他下令由建筑师皮尔莱斯科在原来城堡的基础上重新建筑一座宫殿。弗朗西斯还请当时著名的画家为他画肖像，他崇拜意大利派的画家，购买了当时意大利最著名的画家法埃洛的绘画。包括《蒙娜丽莎》等珍品。 弗兰西斯一世的儿子亨利二世即位后，把他父亲毁掉的部分重新建造起来。亨利喜爱法国文艺复兴时期建筑艺术的装饰，对意大利式的建筑并不感兴趣。他沿袭了父亲的嗜好，但却没有他父亲一样的审美观。
亨利四世在位期间，他花了13年的功夫建造了卢浮宫最壮观的部分――大画廊。这是一个长达300米的华丽的走廊，走廊非常长，亨利在这里栽满了树木，还养了鸟和狗，甚至在走廊中骑着马追捕狐狸。 路易十四是法国历史上著名的国王，他被称为太阳王。他登基时只有5岁，在卢浮宫做了72年的国王――法国历史上最长的时代。路易十四把卢浮宫建成了正方形的庭院，并在庭院外面修建了富丽堂皇的画廊。他购买了欧洲各派的绘画，包括卡什代、伦勃朗等人的作品。他一生迷恋艺术和建筑，致使法国的金库空虚。 路易十六在位期间，爆发了著名的1789年大革命，在卢浮宫“竞技场”院子里建立了法国革命的第一个断头台。1792年5月27日，国民议会宣布，卢浮宫将属于大众，成为公共博物馆。这种状况一直延续了6年，直到拿破仑一世搬进了卢浮宫。
拿破仑在这座建筑的外围修建了更多的房子，并增强了宫殿的两翼，还在竞技场院里修建了拱门，拱门上的第一批雕刻马群是从威尼斯的圣马可教堂上取下来的。 拿破仑以前所未有的方式装饰卢浮宫，他把欧洲其他国家所能提供的最好的艺术品搬进了卢浮宫。拿破仑不断地向外扩张，并称雄于欧洲，于是几千吨的艺术品从所有被征服的国家的殿堂、图书馆和天主教堂运到了巴黎。拿破仑将卢浮宫改名为拿破仑博物馆，巨大的长廊也布满了他掠夺来的艺术品。在卢浮宫里，拿破仑的光彩持续了12年，一直到滑铁卢战役的惨败。 对拿破仑来说，每一幅天才的作品都必须属于法国。这样的观点是德国人、意大利人、西班牙人和荷兰人所不能接受的。拿破仑失势后，他们来到卢浮宫，约有5000件艺术品物归原主。但由于法国人的外交手段及法国人的说服力，仍然有许多他掠夺的艺术品被留在了卢浮宫。 拿破仑三世是一位野心勃勃的皇帝，他是卢浮宫建造以来所遇到的投资最多的“建筑人”，5年内的建筑比所有的前辈在700年内修建的还要多。3个世纪以前想到的宏伟的设计图留给了拿破仑三世来完成，当它竣工后，卢浮宫变成了皇家庆祝活动的场所，富丽堂皇是拿破仑三世修建任何东西的特点。这样，直到拿破仑三世时，卢浮宫整个宏伟建筑群才告以完成，前后将近600年。
卢浮宫的场馆
各馆简介据统计，目前卢浮宫宫殿共收藏有40多万件来自世界各国的艺术珍品。法国人将这些艺术珍品根据其来源地和种类分别在六大展馆中展出，即东方艺术馆、古希腊及古罗马艺术馆、古埃及艺术馆、珍宝馆、绘画馆及雕塑馆。其中绘画馆展品最多，占地面积最大。卢浮宫区有198个展览大厅，最大的大厅长205米。显然，用一天两天的时间根本无法欣赏全部的稀世珍品。因此，如果你要参观卢浮宫，得先制订一个计划，逐个参观六大展馆，切忌仓促地走马观花。如果时间充裕的话，可细细品味；如果时间较紧的话，可选择有代表性的艺术展品观赏。
东方艺术馆
东方艺术馆建于1881年，共有24个展厅，3500件展品。这些展品主要来自西亚和北非地区，包括叙利亚、黎巴嫩、巴基斯坦、伊朗等国。这些展品出自十分久远的年代，如公元前2500年的雕像、公元前2270年的石刻、公元前2000年烧制的泥像等。其中带翅膀的牛身人面雄伟雕像（公元前8世纪）最为有名，曾在杜尔·沙鲁金（现为伊拉克赫尔沙巴德）守卫过亚述国王萨尔贡二世的宫殿大门。这些巨大的牛身人面像来到法国经历过一段曲折的历史。1843年，法国人保罗－埃米尔·博塔发现了这些雕像，冒着各种危险将它们运到巴黎。其中两个雕像于1847年陈列在卢浮宫内的世界上第一个亚述博物馆中，第三个雕像在浅盐湖的船舶失事中幸免于难，于1856年运到巴黎。第四个雕像则沉入湖底，是用石膏塑像替代的，第五个雕像是惟一的一头头部转向参观者的公牛。在“东方古文博物馆”第四厅，有一件我们比较熟悉的文物：《汉谟拉比法典》，该法典出自公元前2000年左右的巴比伦，共282条，以锲形文字刻在一块黑色玄武岩上。玄武岩高2.5米，中部为282条法令全文，上部的人物像是坐着的司法之神向站着的汉谟拉比国王亲授法律，国王则右手致答谢，以示对神授的法律表示尊敬。
古埃及艺术馆
古埃及艺术馆建立于1826年，早于东方艺术馆，共有23个展厅，收藏珍贵文物达350件。这些文物包括古代尼罗河西岸居民使用的服饰、装饰物、玩具、乐器等。这里还有古埃及神庙的断墙、基门、木乃伊和公元前2600年的人头塑像等。 古希腊与古罗马艺术馆 古希腊与古罗马艺术馆建成的时间更早，大约在1800年向公众展出，其藏品更多，大约有7000余件。古希腊与古罗马艺术馆的藏品以法国王室的收藏品为基础。拿破仑率领的法军在意大利获胜后，劫获了许多意大利的古代艺术品，将之运回法国充实卢浮宫。后来，法国又从各方面不断丰富里面的收藏品。雕塑在该馆内占有主导的地位，雕塑品包括大理石、铜、象牙等。在古希腊和古罗马艺术馆中，有两件备受世人赞美的最瞩目的不朽作品，一是“萨姆特拉斯的胜利女神”，二是爱神“维纳斯”。
“萨姆特拉斯的胜利女神”创作于公元前3世纪，高3.28米，站在一座石墩上，是座无头无手的雕像，1863年从萨姆特拉斯岛的神庙废墟中发掘出来。该雕像尽管已失去了手和头，但看得出她正迎风展翅，昂首挺胸，向世人宣告一场战争的胜利。根据研究，这是雕塑家为纪念希腊罗地岛的一场胜利海战而制作的。胜利女神迎风微微前倾身躯，健美的胸部披着薄薄的长袍，体魄健壮而又不失轻灵，富有质感。女神虽然失去了头部和双臂，但在人们的眼里它仍是完整完美的。现在，胜利女神每天受到成千上万人的瞻仰，成为已知雕像中表现热情奔放与动态的最完美的作品。“维纳斯”对于人们来说更加熟悉了。她身高2.02米，创作于公元2世纪。她是希腊的美神，不知倾倒了多少崇拜者，她的周围每天挤满了观众。她半裸着身躯，极为端庄、自然，被认为是表现女性美的最杰出的作品。
“维纳斯”能收藏在卢浮宫是很偶然的。1820年，希腊爱琴海米洛岛上的一位农民在挖土时发现了一尊美神。消息传出，正好有一艘法国军舰泊在米洛港，舰长得知消息后立即赶到现场，想买下，却没有现金。结果，“维纳斯”被一位希腊商人买下，并准备运往君士坦丁堡。眼见宝物就要失去，法国人不甘心，立即驱舰前去阻拦。双方发生了混战，结果使珍品遭到损坏，雕像的双臂被打碎。双方争执不下，后由米洛地方当局出面解决，由法国人用钱买下雕像，贡献给法国国王。就这样，“维纳斯”被运到法国，在当时立即引起轰动。
绘画馆
卢浮宫绘画馆所收藏的绘画之全、之珍贵是世界上各艺术馆不能比拟的。绘画馆共有35个展厅，2200多件展品，其中三分之二是法国画家的作品，三分之一来自外国画家，14~19世纪的各种画派的作品均有展出。比较杰出的作品有：富凯的《查理七世像》（15世纪）、达·芬奇的《岩间圣母》（16世纪）、拉斐尔的《美丽的园丁》（16世纪）、勒南的《农家》（17世纪）、里戈的《国王路易十四像》（18世纪）、路易·达维德的《拿破仑一世在巴黎圣母院加冕大典》（19世纪）、德拉克鲁瓦的《肖邦像》（19世纪）、安格尔的《土耳其浴室》（19世纪）等。 有所有绘画作品中，最为杰出、最受人瞩目的自然是达·芬奇在1503年完成的不朽杰作《蒙娜丽莎》。《蒙娜丽莎》被置放在卢浮宫二楼中间的一个大厅中，外面用玻璃罩着，显然是特别的保护。玻璃罩周围射出的柔和的灯光，足以使观众看清画面的各个细节。《蒙娜丽莎》又称《永恒的微笑》，被认为是西欧画史上首幅侧重心理描写的作品。蒙娜丽莎端庄俊秀，脸上含着深沉、温和的微笑。那微笑有时让你觉得温文尔雅，令人陶醉；有时仿佛内含哀愁，似显凄楚；有时又略呈揶揄之状，虽则美丽动人却又有点不可接近……更妙的在于，在这幅名画之前，不论你从哪个角度看，她那温和的目光总是微笑地注视着你，生动异常，仿佛她就在你身边。
雕像馆
雕像馆成立于1817年，共有展厅27个，展品1000多件，多为表现宗教题材的作品，部分为表现人体和动物的作品。在这里可以看到着色髹金的木刻《基督受难头像》、《十字架上的耶酥》、《圣母与天使》、意大利的雕塑《圣母与孩童》、17世纪的《童年时期的路易十四》，18世纪的名人像《伏尔泰》，19世纪的群塑《舞蹈》等。 珍宝馆 珍宝馆原来是雕像馆的一部分，后来由于珍藏品增多，1893年便独立组成展馆。最初，珍宝馆的展品主要是大革命时从王室没收而来的珍宝。后来，博物馆组织人马到处收购，加之有人捐赠，展品便大大丰富，现在有展品6000多件。其中有重达137克拉的大钻石，有镶满宝石的王冠，还有镀金的圣母像、历代王朝王室的家具、装饰用具等。
建筑结构
卢浮宫博物馆闻名天下，不仅仅在于她的展品之丰富、之珍贵，更在于博物馆本身便是一座杰出的艺术建筑。 据统计，卢浮宫博物馆包括庭院在内占地19公顷，自东向西横卧在塞纳河的右岸，两侧的长度均为690米，整个建筑壮丽雄伟。用来展示珍品的数百个宽敞的大厅富丽堂皇，大厅的四壁及顶部都有精美的壁画及精细的浮雕，处处都是呕心沥血的艺术结晶，让人叹为观止。参观这座艺术殿堂也够得上一次难以忘怀的美好享受。 在卢浮宫几百年的历史发展过程中，最初一直是比较分散的建筑群，并没有像今天这样形成一个整体。这种情况到1981年后得到了改变，1981年9月，弗朗索瓦·密特朗在当选为法兰西共和国总统后举行的一次记者招待会上许诺：“让卢浮宫恢复原来的用途”，这指的是让财政部搬出“黎塞留侧翼”。 “黎塞留侧翼”建于1852~1857年间，长195米，宽80米，是卢浮宫的一个组成部分，自1871年以来一直由财政部占据。1989年7月当时的财政部长爱德华·巴拉迪尔在再三请求下方才离开这赏心悦目的地方。 “黎塞留侧翼”的收回及开放，一下子使卢浮宫增加了2.15万平方米的展览面积、3个庭院和165个新展厅，共展出艺术品1.2万件，其中3000件是从存放室取出的，卢浮宫博物馆的展品由此大大增加。
“金字塔”
密特朗总统对卢浮宫博物馆做出的另一贡献是邀请著名的美籍华裔建造师贝聿铭为博物馆设计新的入口处。贝聿铭先生经过深思熟虑，提出建造一个“金字塔”的方案。这座“金字塔”为卢浮宫博物馆，也为巴黎市增加了新的耀眼的光彩。有了这座“金字塔”，观众的参观线路显得更为合理。观众在这里可以直接去自己喜欢的展厅，而不必像过去那样去一个展厅而要穿过其他几个展厅，有时甚至要绕行七八百米。一个现代的博物馆，后勤服务设施一般占总面积的一半。过去卢浮宫博物馆只有20%的面积用于后勤。有了这座“金字塔”，博物馆便有了足够的服务空间，包括接待大厅、办公室、贮藏室以及售票处、邮局、小卖部、更衣室、休息室等，卢浮宫博物馆的服务功能因此而更加齐全。
关于世界民俗文化的论文
风俗史学家把“再现过去”视为主要任务的同时，不应将一定的道德标准强加给过去。作者在研究中作出的第一个结论是：历史上没有永恒的、绝对的标准；相反，标准处于经常变动的过程之中。所以，永远只能说是相对道德或相对不道德。除非违反了社会本能，违反了自然的法则，才可以说是绝对的不道德。没有一条道德法则能不受时空的制约而调节我们在一定时空上的行为。
如果这一点对于整个道德是正确的，那么，对于性道德更是如此。因为性道德是最容易变化的道德领域之一，事实上也确实变化最多最快。作者在写作本书时得出的第二个结论是：一般道德观的经常变化是有一定的规律的，每个世纪都有不同的道德标准。因此，把现代的道德标准强加给过去，不免幼稚而荒谬。惟有不学无术的人或蠢人才会对停滞僵死和发展多变一视同仁，拿一成不变的标准去衡量。在学术界，这种不会历史地思考问题的研究者至今为数不少，不减当年。
还得补充一条：谁要是侈谈什么不以时空为转移、“植根于人的本性”、“永恒的、一体遵守的道德规范”，那只能随心所欲地任意褒贬，而永远不能认识人与物的历史存在。由此可见，否定永恒的、不变的道德理念，是正确地即科学地认识历史现象包括风俗领域历史现象的必要前提。
否认有一体遵守的道德标准，自然不等于否认历史中的道德推动因素。道德推动因素的作用，我们是完全承认的。尽管这不言自明，但还得不断强调，因为用永恒道德规范的作用来解释历史的人，总是把他们论敌的观点说成是否认道德推动因素的作用；他们采取的手法是偷天换日的强词夺理。同样不言而喻的是，我们对待事物的态度并不一定导致为一切历史现象辩护，更不是唱赞歌——持我们这种观点的研究者往往被人扣上这个同样是莫须有的罪名。否认不变的道德理念是一切人、一切阶级、一切民族和一切时代都应遵守的永恒的人间法则，——否认这一点，不仅是一种方法，而且是必要的前提，能让我们认识受历史制约的事物、受历史制约的“善与恶”。我们揭示历史的制约、历史的绝对必然性，并不是做结论说，因为是历史的必然性引起了这种或那种现象，所以这些现象就是对的，就可以在历史的审判中宣判无罪。做个简单的比喻，对于一个杀人犯，我们即使明白他行为的内在必然性，也不意味着我们是替他辩护。我们的历史观反而会导致迥然不同的而且是极为重要的结果，那便是真正科学地洞察过去，阐明更高层次的历史逻辑。
认识过去和研究史料也就是系统地揭示以往和当今发生的事情，并找出连接以往和当今的结合环节，目的绝不是像许多人所想的那样，是为了满足好奇心，哪怕是最“高尚”的好奇心。目的首先是认识一切现象发生的规律。因为惟有准确地解释历史，我们才能更好地创造历史。这才是问题的实质，是科学的第一位的、最终的目的：使行动更富成效，影响现在与未来。这样才能打通一条道路到达人类的最高课题——有意识。有计划地进行历史的创造。
这显然不是空洞的抽象，而是内容极其丰富的公式。让人类能够有意识地创造自己的历史，等于是引导人类遵循正确的路线，加快步伐，攀登崇高的理想指明的发展高峰。
如果对事物的历史洞察能使我们深信道德规范是经常变化的，深信“道德是什么？”这样一个问题要求多种多样的回答，那么，风化史学家就需要解决两项任务。第一，揭示风化或主流道德观与人们社会存在之间的关系；第二，阐发每一个案中道德所遵循的规律以及决定并改变每一时代道德观的因素。
因此，简单地、杂乱无章地堆砌事实并不能准确而清晰地再现过去。何况，如果不具备上面说过的基础，甚至谈不上有价值地挑选事实，因为个别事实的价值惟一取决于它能在多大的程度上反映时代的基本规律。换句话说，学术研究中发掘出来的并且加以分析并分类的事实之间，应有历史制约性的内在联系；这历史制约性，体现于制约这些事实的规律。另一方面，只有把握这规律，才能使个别事实和某一类事实具有再现过去的价值。
任意组合的事实，尽管每个事实都饶有兴味而引人入胜，却永远不能准确地、更不能多姿多彩地再现过去的情景。就像一堆石头，尽管每一块都很贵重，都经过精心雕琢，却不能想像为宏伟的建筑；或者一堆轮子、皮带和把杆也不能想像为一台机器。在这些例子中，各个部分之间都必须存在有机的联系，必须经过挑选，并且必须按照规律（这规律决定各部分的形状和位置）组合起来。
发掘内在的联系并且确定形成及改变风化的因素，应是一部严谨的风化史的出发点。这样一部风化史必定远胜单纯搜集奇闻趣事的风俗大全。
本书第一章便是探讨这些问题。目的一方面是为了使本书有个坚实的基础；另一方面是让读者得到我们认为必要的引路线索。不言而喻，这一章的内容应限于基本的方面，因为本书的目的并不是做理论的分析，而主要是生动地叙述事实。我们在第一章中只是极其简单扼要地谈一下概况。况且我们并不自认为有能力全部解决这些复杂的问题——这有待于本领域出现一部理论史著。本书第一章只是种指南、一份仅有简单说明的方位图。
这里还必须指出我们使用的借以生动地再现各时代各民族各阶级各阶层风化状况的方法。
完成这样的任务，必须尽量广泛地使用当时的文献。文献包括各种文字材料，也包括描绘人、物与事件的美术作品。我们惟有让时代自己来表现，用它自己的语言、它的特殊语言，用它创造的比喻等等，并且做到尽量广泛尽量详细。惟有这样，时代才会栩栩如生地浮现在我们的眼前，使我们一方面觉得自己也参与了那个时代的生活；另一方面（由于我们使用的历史方法）又能从高处综观全局，从每一个案中捉摸到它同整体的联系。因此必须采录一切反映每个时代各阶级道德观的文字和美术作品，采录一切能使我们对每个时代各阶级道德观获得直观认识的材料。这样的文字有：各种报道，法规，禁令，关于风俗、游戏、节庆的记载；还有文学作品：诗，诙谐故事，短篇小说，世俗剧及宗教剧。这类文献我们将广泛用来论证、深化及强调我们的叙述。当时的美术作品也是这样。照我们看，美术作品的意义不仅同于文字材料，而且在许多方面比后者更为重要。我们甚至把各种图画视为生动再现过去最可靠从而是最重要的手段，同时也是检验文字材料的惟一的、最好的手段。图画是最鲜明最简单的历史文献。我们只需举一个例子。用文字介绍时装（即使是式样简单的时装），要让读者获得一个十分确切的概念很难很复杂。如果是图文对照，则不难断定人人都会做到一目了然。复杂的时装更难用语言描述，甚至文辞越优美越不容易叫读者明白究竟。其他许多现象如客栈生活、节庆、求爱方法等等也是这样。总之，各方面莫不如此。如果文字之外还有图画作为鲜明的、不受任何偏见影响的、可以检验的事实供读者参考，那么，读者获得的概念肯定要准确得多！
参照美术作品的价值不止于此。图画还有一个优点。每一件美术作品都会在观众的心中引发许许多多的联想。这些联想往往是作者本人也没有想到的，或者他为了更鲜明更简洁地表现主题而有意忽略的。几百幅画，再现的不是当时的个别特点、个别现象，而是包罗了大千世界，包罗所有的典型事实，从而那些图画本身常常就构成一部风化史，会看门道的人从中可以发掘出一切新的材料。图画作为文献，不仅更简单，也更丰富。
由此必然得出一个结论：目的是在展示现象外貌的风化史不仅极端需要美术文献作为忠实准确地再现过去的手段，而且是绝对离不了这些材料。至少，研究者最重要的观点应当有图为证。所以，我们除了文字材料而外，利用了当时各种各样的美术作品：书籍插图、传单画、时装图、艺术品、肖像、科学说明图等等，而以风俗画、漫画为主。
主要是风俗画。风俗画将起也应当起主要的作用，虽然处事审慎的人历来都反对（我们之所以提到这一点，是因为这有助于阐明我们的看法）。他们说，利用风俗画作为时代的文献和物证应当有严格的限制，因为一切过去和现在的风俗画家都过于夸张，而且对生活的正面和负面都是一样的极力渲染，不管他们画的是油画还是素描。风俗画家笔下的情景似乎特别不可靠，因为他们记录的极少是中间状态的现象，而大多是极端。这种说法无疑是正确的，对文学和艺术一体适用。然而，我们同这种说法还要争辩几句。我们过去在论证漫画对于史料研究的价值时说过这样的话：真实并不存在于中庸，而恰恰是在极端。现象或人物的极端并不是缺点，反而是个优点，充分体现了历史文献的价值。
因此，我们有责任充分利用漫画。漫画最好地、可以说是从根本上表现了时代的意向。我们想提醒读者，请他们在评判这些讽刺作品时别迷惑于目前流行的高论：“一方面是这样，另一方面又不是这样。”尤其是对于漫画，往往容易持这样的观点；人们自我欣赏自己的睿智，声称：“往昔的好时光，当然并不像当时的道学家及讽刺家所描绘的那样道德沦丧。”这些人往往还要补充一句：这一类绘画过于夸张，主要说明了14、15和16世纪的人太喜欢开粗野的玩笑，而并不能说明生活的本身等等。
这种客观公正是多么的动听！
可惜的是，我们不得不出来反对。这类流行的观点只能暴露这些人根本不懂漫画的本质，不懂漫画要表现什么以及画家竭力通过漫画这个形式表达的内容。
漫画的本质无疑是夸张。
我们且举一个范例。卢浮宫收藏的鲁本斯那幅辉煌的名画《乡村节日》，是历史上最大胆的漫画之一，着力表现了乡间节庆疯狂的纵酒纵欲；事实上，乡间的节庆无疑不是这样的。
然而，正是这样的画特别真实。这真实同夸张并不矛盾，而恰恰应该归功于夸张。画家在夸张的时候，摒弃了一切能够引起误会的外衣，发掘出现象的核心。依靠在数量及质量上强调对象的主要部分，基本规律成了活生生的东西，真实的本质发掘了出来，而且是那么鲜明，人们再也不能熟视无睹，不能擦肩而过。再高度的近视也会看到画家究竟画的是什么；最迟钝的心智也会明白现象的内在秘密。这一切都是靠夸张才达到的。所以，真实并不在于中庸，而正是存在于极端。
每个时代都想揭示现象的本质，而采取的都是这样的方法。每个时代利用理论的成果都先于论证或透彻了解这一理论。关于文学讽刺也可以这么说。因此，语言的和造型的漫画应当在风化史中享有一席荣誉的地位。
总结关于各时代当时文献的价值的论述，我们可以作以下的结论：每个时代自己写下了它的风化史。
每个时代的创造表现于各种各样、成千上万的形式之中。不管它穿着宗教的法衣，还是放怀享受人生的五颜六色的衣衫，在这些外衣的里面总是它，总是时代和它的独特的人性。
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浅议《格尔尼卡》及作者毕加索
作者：毕加索（1881～1973）出生在西班牙，是当代西方最有创造性和影响最深远的艺术家，他和他的画在世界艺术史上占据了不朽的地位。毕加索的一生辉煌之至，他是有史以来第一个活着亲眼看到自己的作品被收藏进卢浮宫的画家。
《格尔尼卡》，毕加索作，1937年，布面油画，349.3×776.6厘米，索菲亚皇后博物馆藏。油画《格尔尼卡》，是立体主义的领导人毕加索作于20世纪30年代的一件具有重大影响及历史意义的杰作。
此画是受西班牙共和国政府的委托，为1937年在巴黎举行的国际博览会西班牙馆而创作，是表现战争题材且具有纪念意义的作品。画中表现的是1935年纳粹德国空军疯狂轰炸西班牙小城格尔尼卡的暴行。作为一个具有强烈正义感的艺术家，毕加索对于这一野蛮行径表现出无比的愤慨。他仅用了几个星期便完成这幅巨作，作为对法西斯兽行的谴责和抗议。毕加索他那潜在的变现主义再次迸发出来，线条扭曲着，膨胀着，激情在奔腾驰骋，这便是《格尔尼卡》。作品以强音奏出了悲怆曲，在西方绘画史上第一次单纯的以造型标注经历过的事件，并使我们感到极端的恐惧。
我们看到悲剧与诙谐，挖苦与怜悯，生命的颤动与死亡的静止。作品充分表现了法西斯暴行的残酷和人民受难的痛苦。
整幅画用黑白灰三色绘成，错综复杂的黑白灰色块造成画面阴郁、恐怖的效果；不规则的线条形成的角和弧的交错，给人一种支离破碎和动乱的感觉。画面沉重又压抑，充满了悲剧气氛。这幅画控诉了法西斯的罪恶，对战争给人民带来的灾难表示了悲哀和同情。这幅画曾到挪威、英国、美国各地展出，反响非常强烈。
创作背景
西班牙杰出画家、法国现代画派的主要代表毕加索，1881年出生于西班牙一个图画教师的家庭，1904年定居巴黎。他最初的画比较写实，绘画的主题主要是对乞丐、流浪艺人、演马戏者等人物的深切同情；后来他从形式上求奇异，成了立体派的代表人物。所谓立体派，是把物体分割成各种几何形体，然后再重叠、堆砌在一个平面的画幅上，因此完全改变了物体原有的形态，他创作的油画《格尔尼卡》就是他的代表作。
1937年4月26日，那本应该是“人间四月天”，德国法西斯空军恣意轰炸了西班牙历史名城——风光旖旎的小镇格尔尼卡，当时恰逢集市，2000名无辜平民丧生，格尔尼卡被夷为平地。这一事件震撼了全世界，也震撼了毕加索。
愤怒的画家毕加索，挥笔创作了大型油画《格尔尼卡》。七十年过去，这幅杰作已经成为警示战争灾难的文化符号之一，也使格尔尼卡的悲剧永远留在了人类伤痕累累的记忆中。
画面里没有飞机，没有炸弹，却聚集了残暴、恐怖、痛苦、绝望、死亡和呐喊。被践踏的鲜花、断裂的肢体，号啕大哭的母亲、仰天狂叫的求救，断臂倒地的男子、濒死长嘶的马匹……这是对法西斯暴行的无声控诉，撕裂长空。画家以半抽象的立体主义手法，以超时空的形象组合，打破了空间界限，蕴含了愤懑的抗议，成就了史诗的悲壮；在支离破碎的黑白灰色块中，散发着无尽的阴郁、恐惧，折射出画家对人类苦难的强大悲悯。
面对痛彻心扉的人间惨剧，不同的艺术家有不同的反应，格尔尼卡被法西斯空军轰炸，就是给了艺术家们一道无声的考题。有没有慈悲的情怀，就是能不能触动心灵创作的前提。毕加索说：“我是依我所想来画对象，而不是依我所见来画的。”当时侨居巴黎的毕加索，受西班牙政府委托，正准备为参加巴黎国际博览会的西班牙馆创作绘画作品。德军轰炸格尔尼卡的消息传来，毕加索震怒了，他就以格尔尼卡被轰炸为题材，依他所想来为西班牙馆作画，将法西斯惨无人道的罪行彻底曝光在世人面前。艺术的创作者，是必须悟透艺术真谛的。就像中国漫画家丰子恺所说的：艺术不是技巧的事业，而是心灵的事业。
《格尔尼卡》问世后，曾在一些国家展出，受到爱好和平者的高度评价，毕加索也因此备受世界人民的尊敬。佛朗哥独裁统治时期，《格尔尼卡》无法在画家的祖国展出。直到1981年，《格尔尼卡》才回到西班牙，实现了毕加索的遗愿。在巴黎毕加索艺术馆，曾发生了一件小事：一天，一些德国军人来此参观，毕加索发给他们每人一幅《格尔尼卡》的复制品。一名军官问毕加索：“这是您的杰作吗？”毕加索回答：“不，这是你们的杰作！”
画作赏析
毕加索虽然热衷于前卫艺术创新，然而却并不放弃对现实的表现，他说：“我不是一个超现实主义者，我从来没有脱离过现实。我总是待在现实的真实情况之中。”这或许也是他选择画《格尔尼卡》的一个重要原因吧。然而他此画的对于现实的表现，却与传统现实主义的表现方法截然不同。他画中那种丰富的象征性，在普通现实主义的作品中是很难找到的。毕加索自己曾解释此画图像的象征含义，称公牛象征残暴，代表的是凶残的德国和法西斯，受伤的马象征受难的西班牙，闪亮的灯火象征着光明与希望……当然，画中也有许多现实情景的描绘。画的左边，一个妇女怀抱死去的婴儿仰天哭号，她的下方是一个手握鲜花与断剑张臂倒地的士兵。画的右边，一个从楼上跳下来的人高举双手仰天尖叫，在他后面，是熊熊的火焰。离他不远处，那个俯身奔逃的女子是那样地仓惶，以致她的后腿似乎跟不上而远远落在了身后。这一切，都是可怕的空炸中受难者的真实写照。 零乱的肢体从各个角度诉说着当时德国法西斯人性的残忍
画中的诸多图像反映了画家对于传统绘画因素的吸收。那个怀抱死去孩子的母亲图像，似乎是源自哀悼基督的圣母像传统；手持油灯的女人，使人联想起自由女神像的造型；那个高举双手仰天惊呼的形象，与戈雅画中爱国者就义的身姿不无相似之处；而那个张臂倒地的士兵形象，则似乎与意大利文艺复兴早期某些战争画中的形象，有着姻亲关系。由此可以看出，毕加索不仅是一位富于叛逆精神的大胆创新者，同时也是一位尊崇和精通传统的艺术家。
乍看起来，这幅画在形象的组织及构图的安排上显得十分随意，我们甚至会觉得它有些杂乱。这似乎与轰炸时居民四散奔逃、惊恐万状的混乱气氛相一致。然而，当我们细察此画，却发现在这长条形的画面空间里，所有形体与图像的安排，都是经过了精细的构思与推敲，而有着严整统一的秩序。虽然诸多形象皆富于动感，可是它们的组构形式却明显流露出某种古典意味。我们看见，在画面正中央，不同的亮色图像互相交叠，构成了一个等腰三角形；三角形的中轴，恰好将整幅长条形画面均分为两个正方形。而画面左右两端的图像又是那样地相互平衡。可以说，这种所谓金字塔式的构图，与达芬奇(最后的晚餐)的构图，有着某种相似的特质。另外，全画从左至右可分为四段：第一段突出显示了公牛的形象；第二段强调受伤挣扎的马，其上方那盏耀眼的电灯看起来好似一只惊恐、孤独的眼睛；第三段，最显眼的是那个举着灯火从窗子里伸出头来的“自由女神”；而在第四段，那个双臂伸向天空的惊恐的男子形象，一下于就把我们的视线吸引，其绝望的姿态使人过目难忘。毕加索以这种精心组织的构图，将一个个充满动感与刺激的夸张变形的形象，表现得统一有序，既刻画出丰富多变的细节，又突出与强调了重点，显示出深厚的艺术功力。
在这里，毕加索仍然采用了剪贴画的艺术语言。不过，画中那种剪贴的视觉效果，并不是以真正的剪贴手段来达到的，而是通过手绘的方式表现出来。那一块叠着另一块的“剪贴”图形，仅限于黑、白、灰三色，从而有效地突出了画面的紧张与恐怖气氛。
《格尔尼卡》问世后，曾在一些国家展出，受到爱好和平者的高度评价，毕加索也因此备受世界人民的尊敬。佛朗哥独裁统治时期，《格尔尼卡》无法在画家的祖国展出。直到1981年，《格尔尼卡》才回到西班牙，实现了毕加索的遗愿。
这幅画中给人印象深刻的“点灯眼”、和“比目牛”成为日后毕加索的代表形象。
向作者致敬
毕加索是位多产画家，据统计，他的作品总计近37000件，包括：油画1885幅，素描7089幅，版画20000幅，平版画6121幅。
毕加索的一生辉煌之至，他是有史以来第一个活着亲眼看到自己的作品被收藏进卢浮宫的画家。在1999年12月法国一家报纸进行的一次民意调查中，他以40％的高票当选为20世纪最伟大的十位画家之首。对于作品，毕加索说：“我的每一幅画中都装有我的血，这就是我的画的含义。”全世界前10名最高拍卖价的画作里面，毕加索的作品就占据4幅。
毕加索是个不断变化艺术手法的探求者，印象派、后期印象派、野兽的艺术手法都被他汲取改选为自己的风格。他的才能在于，他的各种变异风格中，都保持自己粗犷刚劲的个性，而且在各种手法的使用中，都能达到内部的统一与和谐。他有过登峰造极的境界，他的作品不论是陶瓷、版画、雕刻都如童稚般的游戏。在他一生中，从来没有特定的老师，也没有特定的子弟，但凡是在二十世纪活跃的画家，没有一个人能将毕加索打开的前进道路完全迂回而进。
他静静地离去，走完了九十二岁的漫长生涯，如愿以偿地度过了一生。
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